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Nos encanta Alcalá de Henares, sin ninguna duda, la joya del Corredor. Quizá estos días de canícula no sean la ocasión más propicia para hacer turismo complutense, pero la exposición del Archivo General de la Administración nos ofrece una excusa para vencer la pereza. Según publicó El País el pasado domingo, 23 de agosto (pincha aquí para leer el artículo) la exposición Fascinados por Alcalá(puede consultarse en este enlace la web www.fascinadosporalcala.es)consta de una cincuentena de fotos tomadas por el Patronato de Turismo o por fotógrafos anónimos y muestran la ciudad antes del desarrollo urbanístico de los años 60, recogiendo los edificios más representativos, como la fachada cisneriana, la plaza de Cervantes, la Magistral, la hostería del Estudiante y otros.
Hace unas semanas supimos en la sección La papelera de Juan Palomo de El Cultural del periódico El Mundo que Viggo Mortensen, además de buen actor, es un apasionado amante de la poesía y se ha encargado de la publicación de la Antología de la nueva poesía argentina, en la editorial Percival Press, con obras, entre otros, de Leónidas Lamborghini, Joaquín Gianuzzi, Fabián Casas, Martín Gambarotta, Gabriela Bejerman y Washington Cucurto. Y ya que este post está dedicado a la poesía, la hermana pobre de las disciplinas tratadas en este blog, lo reconocemos, hacemos la recomendación del libro: Ningún mensaje nuevo (ed. Hiperión), de Irene Sánchez Carrón. Como muestra, un botón: "Cuando yo era muy niña, las viejas iban siempre de negro y vivían cara al sol en silencio y con los ojos cerrados, y se peinaban como si fueran diosas. Pero aquel elegante recogido que tanto me gustaba acababa cubierto por un pañuelo negro, un día más, oculto, un día más, perfecto."
La actriz Mary Carrillo ha muerto a la edad de 89 años en Madrid. Ofrecemos en su homenaje la siguiente semblanza*: "Nombre artístico de Magdalena Carrillo Moreno. Actriz, una de las mayores de la segunda mitad del siglo XX. Esposa del director y productor Diego Hurtado; madre de las actrices Paloma, Teresa y Fernanda Hurtado. Debuta en 1936 con la compañía de Hortensia Gelabert y pasa después a la compañía Díaz-Collado, con la que hace una gira por Hispanoamérica. En 1938 regresa a España e ingresa en la compañía de Bassó-Navarro y luego en la de María Guerrero, en el teatro Español. En 1939 se casa con el director Diego Hurtado, con el cual forma compañía. Uno de sus primeros grandes éxitos es La alondra. Participa en algunas películas (Marianela, Fiebre, El doncel de la reina), pero su interés mayor es el teatro. Actúa en los teatros Lara y Recoletos de Madrid. Por Aurelia y sus hombres(1960)recibe el Premio Nacional de Interpretación Dramática. A su regreso a España alcanzó una notable popularidad y prestigio, a los que no fueron ajenas sus interpretaciones de numerosas obras de Jacinto Benavente, quien escribió para ella algunas de sus piezas. Está en posesión de un buen número de distinciones, entre ellas el Premio Nacional de Teatro y la Medalla de Oro de Bellas Artes. De su extensa carrera interpretativa cabe destacar, entre otros montajes, los siguientes: La visita que no tocó el timbre, Diálogos de carmelitas, La vida es sueño, Divinas palabras, La casa de los siete balcones, Marianela, La vieja señorita del Paraíso, Los buenos días perdidos, Buenas noches, madre y Sorpresas. Ha protagonizado asimismo numerosas películas: Nueve cartas a Berta, Las truchas, La colmena, Entre tinieblas, Los santos inocentes... Mary Carrillo, considerada como una de las mejores actrices del actual teatro español, se despidió de la escena con el estreno, el 22 de abril de 1995, de la obra Hora de visita, de José Luis Alonso de Santos, en el teatro de Rojas de Toledo. El 27 de octubre del mismo año le fue entregada la Medalla al Mérito Artístico del Ayuntamiento de Madrid, en el Centro Cultural de la Villa". *Fuente: Teatro español de la A a la Z, de Javier Huerta Calvo, Emilio Peral Vega y Héctor Urzáiz Tortajada; Madrid, Espasa, 2005.
Javier Cercas ha acaparado el interés general de crítica y lectores con su último libro: Anatomía de un instante, en el que disecciona el golpe de estado del 23-F, convirtiéndolo en un poliedro y analizando pormenorizadamente cada una de sus caras, tomadas de forma independiente unas de otras, para converger finalmente en el balance o contraste de todos los análisis. Este híbrido de novela y ensayo, según confiesa él mismo, tiene la virtud de ser claro y directo y lo que proporciona tanto al lector iniciado en el tema como al lego es, fundamentalmente, información. Cercas se propone afrontar de forma definitiva el mayor ataque que la democracia española ha sufrido en sus poco más de tres décadas de existencia. No lo hace con autocomplacencia: reprocha a la sociedad española su tibieza con los golpistas, que llevó a los españoles a encerrarse en sus hogares a ver qué pasaba, en lugar de salir a las calles en defensa del orden constitucional. También hay reproches al Rey, a quien culpa de alentar el golpe con sus manifestaciones públicas de desapego al gobierno de Suárez y sus insinuaciones de que debían producirse cambios de cualquier manera, porque la España que Suárez regía estaba abocada al caos. Cabe la crítica contra los líderes políticos de la época: Felipe González, Alfonso Guerra, Manuel Fraga, los compañeros de partido de Suárez, enzarzados en pugnas cainitas motivadas por la ambición. También contra los empresarios más importantes, presentes en los grupos de poder, contra los militares que se arrogaron una representatividad que no tenían y se consideraban los idóneos para reconducir la situación. No se escatiman críticas a Adolfo Suárez y Santiago Carrillo, pero resultan los personajes más engrandecidos del relato, en palabras de Cercas: "los dos únicos políticos que demostraron estar dispuestos a jugarse el tipo por la democracia", conclusión extraída por el escritor del hecho de que fueran los únicos del hemiciclo que resistieron en sus escaños mientras "a su alrededor zumbaban las balas". En este pasaje, Cercas no se resiste a fabular y el relato paralelo que construye de estos dos hombres, presentados como verdaderos héroes de la Transición, tiene no poco de imaginación en la misma medida, justo es reconocerlo, que de realidad. En cuanto al estilo, el autor es poco amigo de veleidades literarias, tal se mostraba en su opera prima, Soldados de Salamina (obra sobria donde las haya desde el punto de vista estilístico, como bien se percibe si se la compara con los muy retóricos cuentos de Alberto Méndez, recogidos bajo el título de Los girasoles ciegos. Ambas obras nos han venido a la cabeza, porque las dos se ocupan del periodo histórico de la Guerra Civil). En fin, se trata de una obra muy recomendada para los interesados en este momento crítico de la España de los 80 y, por su tono peridístico, para los amantes de la prensa que no encuentran asuntos de su interés por el bajón informativo (y de calidad de redacción) que se produce en los diarios en los meses de verano.
Hace dos años presencié Madame Butterfly en el Teatro Real, dirigida por Plácido Domingo. La puesta en escena proponía reducir las dimensiones gigantescas del proscenio a una "caja china" reducida y de hermosa presencia. Recuerdo esperar con impaciencia a que se abriera el plazo para comprar las entradas por internet. Recuerdo también la decepción al ocupar mi butaca de la zona llamada "Paraíso" y comprobar que sólo alcanzaba a ver la parte superior de las cabezas de los intérpretes, tan mala era la perspectiva desde mi asiento. En fin, para la presente ocasión, escarmentado por la imposibilidad de conseguir buenas localidades, decidí acudir a una sala de cine en lugar del teatro, dentro de la iniciativa Ópera en cine digital que ha puesto en marcha el Teatro Real de Madrid. Aunque los puristas se echarán las manos a la cabeza por tales usos, impropios del buen aficionado a la ópera, voy a comentar mi experiencia: Me hallaba de vacaciones, lejos de casa, por lo que elegí la sala más cercana: los cines Málaga Nostrum; buena aceptación: más de la mitad del aforo. Hay que contar con que el personal de la sala no está familiarizado con este tipo de espectáculos. Empezó la ópera sin subtítulos y vimos a una espectadora salir de la sala para advertirlo al personal responsable. No sabemos la razón, pero hasta pasados 45 minutos, después de varios intentos que se reflejaban desagradablemente en la pantalla, no aparecieron los subtítulos en castellano. A partir de ahí todo fue bien: el sonido era estupendo, el reparto, como requiere esta ópera, tan actores como cantantes. Fue especialmente apreciado por el público el aria Dove sono i bei momenti, de Barbara Frittoli, uno de los momentos más deliciosos de esta ópera; también gustó la Susanna que compone Isabel Rey, muy querida en el Teatro Real; personalmente nos gustó menos el Conde (excesivamente hierático en su interpretación, justo lo contrario que el criado Fígaro). Y debemos mencionar a Cherubino, quien no en vano ha sido señalado como el personaje clave de esta obra, el motor de todos los enredos, encarnación del deseo por su ambigüedad (adolescente entre niño y hombre; por otro lado, personaje masculino sobre el papel para ser interpretado por una mujer con tesitura de mezzosoprano), criatura endiablada, encargado de seducirlos a todos, hombres y mujeres por igual. Marina Comparato en su primera actuación en el Real supo ganarse el favor del público. En cuanto a la dirección de Jesús López Cobos, una institución en el Real y una garantía, bien como siempre. La puesta en escena de Emilio Sagi, en sus palabras "realista", yo diría "demodée", antigua. Y aquí se abre el debate que afecta al tipo de realización televisiva más adecuada a este tipo de espectáculos. La que presenciamos en la sala de cine se situaba en la estela de las grandes producciones operísticas para televisión (téngase en mente, verbigracia, las de la BBC), lo que unido a una escenografía conservadora, pareció llevarnos 30 años atrás en el tiempo. Recuerda también a los Estudio 1 de TVE de hace más tiempo, que llevaban a los hogares espectáculos de teatro de gran calidad con una realización característica. Mi opinión al respecto es que los espectadores que acudimos a las 78 salas de cine que ofrecían la ópera queríamos sentirnos como en el Teatro Real, que es donde efectivamente habríamos querido estar. La realización, pensamos, debe proporcionar al espectador la "ilusión" de que está en el teatro presenciado la ópera en directo: por tanto, nada de primeros planos, nada de zoom, que "convierte" al intérprete en un gigante de varios metros de altura a ojos del espectador, nada de planos con detalle desviando la atención al decorado o diferentes elementos del atrezzo. Simplemente un plano medio sostenido toda la representación, el punto de vista que tiene, desde su butaca, el espectador que ha podido conseguir la mejor ubicación de la sala, alejándose de florituras televisivas y/o cinematográficas. Quizá sea mucho decir, pero para la ópera y el teatro, no nos fiamos de las engañifas de la tele y el cine, preferimos la autenticidad de la sala y del actor "que se quema los pies". Hemos encontrado en Youtube algunos de los momentos clave de la ópera: Obertura
En este blog amigo del teatro nunca nos habíamos ocupado de una de las principales revistas de teatro españolas: Primer acto: cuadernos de investigación teatral. José Monleón (Premio Nacional de Teatro en 2004, puede leerse una breve semblanza suya en el siguiente artículo), la dirige desde sus inicios en el año 57 y, lejos de pensar en la jubilación, sigue en la brecha, dramaturgo, teórico teatral y crítico incansable, dedica en el último número un especial al teatro de Pier Paolo Pasolini, con aportaciones de especialistas: Vicente León, que ha llevado a escena Fabulación; Javier Huerta Calvo, quien disecciona la obra más conocida de Pasolini, Calderón y la pone en relación con nuestros clásicos áureos; Carla Matteini, encargada de traducir al castellano en 1980 el texto de Calderón y de revisar la traducción que se ofrece en el número 328 de la revista. Asimismo, se comenta la puesta en escena de Ainhoa Amestoy de Calderón este mismo año en el Centro Cultural Moncloa de Madrid, la noche de Max Estrella (invento maravilloso de Ignacio Amestoy, evento del que ya nos hemos hecho eco aquí con anterioridad), se conmemoran los 30 años de teatro del grupo La Zaranda, se recuerda a Ricardo Salvat, fallecido recientemente (ha venido a nuestra mente su lucidez y su sabiduría teatral que puso a nuestra disposición en Festival de Teatro de Almería del año 2008). Agradecemos a Lola de José Jiménez nuestro reencuentro con la revista Primer acto, una revista imprescindible para el aficionado al teatro.
Tres amigos, antiguos compañeros de farras universitarias, fuimos al teatro Valle-Inclán el pasado 19 de junio. Como suele suceder en estos casos, a la salida del espectáculo estábamos de acuerdo en algunas apreciaciones y discrepamos en otras. Convinimos en que, de las tres piezas representadas, la que mejor conserva el tono poético que impregna todo el teatro de Valle-Inclán es Ligazón, merced a la propuesta escénica de Ana Zamora, que tiene el elemento acuático como protagonista (se camufla una pileta en mitad del proscenio y la acción se desarrolla en torno a ella) y una protagonista femenina que seduce e inquieta a la vez, destacada sobre el resto del reparto. La cabeza del Bautista de Alfredo Sanzol, equilibra lo poético y lo cómico, recoge el humor que rezuman los textos dramáticos de Valle y propone una puesta en escena sesentera y "pop". Conforme los mozos bailarines desaparecen de escena se presenta desnudo el conflicto y se avanza hacia el trágico final: la risa se transmuta en llanto y todo termina donde empezó, en el huerto de limoneros. Salva Bolta opta por una Rosa de papel gamberra e irreverente, en la que opta por romper el equilibrio entre lo poético y lo cómico del lado de lo cómico. Simeón Julepe es un personaje excesivo y a tal exceso se aplica el actor Marcial Álvarez con tesón. Subtitulada "Melodrama para marionetas", los actores, caricaturizados, gritan, hacen muecas y remedan muñecos de trapo. ¿Consigue el montaje el propósito de Valle de escandalizar, "épater le bourgeois", a un espectador actual? A este respecto, no nos poníamos de acuerdo. Uno de nosotros pensaba que a la sociedad actual no le escandaliza un crucifijo que lanza luces de colores cual dispositivo de discoteca, ni el personaje de la difunta Encamada como actualización carnal y voluptuosa de Cristo (véase la foto anterior), ni Simeón Julepe exhibiendo un monumental falo de trapo, agitándolo ante el público antes de entregarse a la cópula necrófila. Para los otros dos, los directores, sobre todo, Salva Bolta, habían encontrado la fórmula transgresora de remover al espectador del siglo XXI, fiel a la intención primigenia de Valle. En los momentos que acabamos de comentar hubo desfile de espectadores (algunos de ellos de avanzada edad) hacia la salida. Su expresión denotaba rechazo y/o decepción. ¿Se sentían escandalizados? Nota: Tomamos las imágenes de la bitácora www.larepublicacultural.es
A partir del próximo 10 de junio y hasta el día 28 vuelve otra muestra de teatro áureo a la ciudad complutense, este año en una edición conmemorativa de Lope de Vega y su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo, de cuya publicación se celebra este año el IV centenario. Puedes consultar el programa de este certamen en el siguiente enlace. El festival ofrece el 11 de junio un estreno interesante: El sueño de una noche de verano, del grupo Ur Teatro y su directora Helena Pimenta(pincha aquí para conocer su web, magnífica, por cierto).
Degusto los artículos de Sánchez Ferlosio en El Paísde la misma manera que un catador de vinos el último caldo de su bodega preferida. Es un sabio del lenguaje, de la filología, un filólogo en el sentido etimológico del término, un amante de la palabra. Sólo recuerdo devoción semejante en la dedicada al recordado Lázaro Carreter y su colección de El dardo en la palabra. En su último libro nos propone temas como la historia, la guerra, la religión, el derecho y el fanatismo, todo ello pasado por el tamiz del degustador de palabras y expresiones: en el gigantesco ensayo que supone God & gunhay reseña de libros (el libro II es una confrontación entre la concepción historiográfica de Polibio y la que subyace en la Filosofía de la Historia, de Hegel; en el libro V, se habla del ensayo La política como vocación, de Max Weber); hay también análisis de textos literarios, como un fragmento de El laberinto de Fortuna, de Juan de Mena, análisis filológico de viejos refranes castellanos, como "corneja posada non face agüero", o "potro que ha de ir a la guerra, ni lo come el lobo ni lo aborta la yegua". Nuestro autor se siente en su salsa manejándose entre anfibologías, enunciados locutivos o perlocutivos, o el enroque de complemento directo (eso sí, el autor reconoce que su uso del lenguaje es peculiar: así es como "en mi jerga se designa").
Siendo Ferlosio un escritor que se prodiga poco -Enrique Vila-Matas no tendría inconveniente en incluirlo en su catálogo de Bartlebys-, es motivo de alegría para sus lectores la aparición de un libro, como este God & gun, que el propio autor presenta a sus lectores de la siguiente manera: "Barack Obama dijo de algún estado norteamericano que, deprimido y aburrido por la recesión y por el paro, se había abandonado al culto de Dios y al culto de las armas; de ahí he sacado yo el título God & Gun, que además me parece un lema ideal para un escudo de Estados Unidos. Yo también, sin embargo, entre los quince y los veinte años, era tan religioso como apasionado de la escopeta; por la conjunción de estas dos cosas, mi padre me comparaba con Nemrod y me hacía fiestas recitándome aquello de Génesis 10, 9: «Nemrod, vigoroso cazador a los ojos del Altísimo». Estos apuntes empezaron siendo un artículo de respuesta a otro de Fernando Savater, pero ya se sabe que los grafómanos o plumíferos estamos expuestos a la pulsión de desviarnos con cualquier pretexto que se cruce, y ya no puede saberse adónde iremos a dar. Había empezado a principios del 98, pero la oscuridad y la tristeza me cortaron en seco sin acabar el año. Escribí otras muchas cosas, pero la incertidumbre y el escepticismo crecientes que son propios de todo envejecer no me dejaron volver a aquello hasta cumplir los ochenta años: no sé qué impulso me llevó a rematar el actual Libro VII y escribir, como en unos dos meses, todo el VIII, no puedo tan siquiera imaginar cuán distinto del que habría podido prever hace diez años. Rafael Sánchez Ferlosio regresa con un ensayo deslumbrante sobre la historia, la guerra, la religión, el derecho y el fanatismo (pasado y presente)."
Hace tiempo que queríamos escribir aquí sobre una obra de reciente aparición: el DICAT (Diccionario biográfico de actores del teatro clásico español), que se publica en soporte informático, con un poderoso motor de búsqueda para hallar las referencias que nos interesan de entre las más de diez mil páginas que supondría una edición impresa de este diccionario de actores. Por otro lado, también ha despertado nuestra atención el Blog Theatrica, dedicado al estudio del teatro del Siglo de Oro. Pues bien, con esta entrada vamos a matar dos pájaros de un tiro, porque el magnífico blog se encarga en una de sus últimas entradas (pinchar aquí para conocerla) de la ingente labor de la doctora Ferrer y su equipo de colaboradores. Pongamos por caso, alguien que realiza una tesis doctoral sobre un autor de teatro breve del siglo XVII. Para datar las piezas, resulta interesante, si conservamos nombres de actores que las interpretaron, saber a qué compañía pertenecían, en qué ciudades actuaron y en qué fechas. Estas pesquisas suponían, antes del DICAT, horas de búsquedas, a menudo infructuosas: Shergold y Varey, Rennert, los Documentos de Pérez Pastor y otros. El DICAT simplifica no poco la labor del investigador y proporciona momentos de goce al aficionado al teatro áureo.
Hace dos días murió Mario Benedetti, el gran poeta uruguayo del siglo XX (Puede consultarse su perfil biográfico y bibliográfico en el siguiente enlace de Wikipedia). Aprovecho esta ocasión para recomendar la web de poesía que más me gusta: A media voz (pincha el enlace y lee una selección de poemas de Mario Benedetti). Tengo memoria Benedetti desde los años de universidad, en la década de los 90 en la facultad de Filología de la Complutense de Madrid. Era un autor más citado y leído fuera de las clases que dentro. Entonces ya no había que correr delante de los grises, pero los poemas y los escritos de Mario circulaban de mano en mano entre los estudiantes con profusión. Su gran arma consistía en una literatura con más verdad que aquélla que nos enseñaban dentro del aula catedráticos egregios dictando apuntes amarillentos. Su recuerdo me hace sonreír: ¡Qué bueno que estuviste, viejo! Nos despedimos de él con un documental de Ricardo Casas sobre su figura: Palabras verdaderas.
